15 najważniejszych cech teatralnych

Najważniejsze cechy teatralne Są ściśle związane z elementami wspólnymi dla każdej pracy lub wydajności. Termin teatr ma swoje początki w greckim słowie Theatron, co oznacza „miejsce do spojrzenia”.

Dlatego pierwotnie teatr odnosił się zarówno do miejsca, jak i określonej formy percepcji. Dzisiaj koncepcja teatru może odnosić się do: Budynek, aktywność („Idź do” lub „do”), instytucja i formularz sztuki.

Teatr jest gałęzią sztuki malowniczej związanej z występem i reprezentacją opowieści przed publicznością na żywo, używając kombinacji przemówień, gestów, scenerii, muzyki, dźwięków i programów, które starają się stymulować i ekscytować widza.

Umysł odgrywa także ważną rolę w teatrze, ponieważ ten artystyczny wyrażenie jest rozszyfrowane zgodnie z postrzeganiem i wyobraźnią widza.

Wszystkie sztuki mają wspólne elementy, które charakteryzują tę sztukę. Następnie możesz zobaczyć bardziej szczegółowe cechy.

15 Charakterystycznych elementów teatru

1- Działka

Źródło: Morruelo [CC BY-SA 4.0 (https: // creativeCommons.Org/licencje/nabrzeże/4.0)] przez Wikimedia Commons)

Tak dzieje się w pracy. Odnosi się do działania. Organizacja wydarzeń lub wybór i kolejność scen w grze. Według Arystotelesa jest to abstrakcyjna koncepcja odnosi się do rozmieszczenia incydentów, które stanowią surowiec i elementy historii.

Wykres jest sposobem, w jaki te incydenty są ustrukturyzowane w spójnej całości. Jeśli ułożenie oryginalnego zamówienia zostanie zmienione, zostanie wygenerowana nowa działka. W teatrze dominują dwa rodzaje fabuły. Następnie jego główne cechy i elementy różnicujące:

Wykres rozdzielczości 

• Fabuła zaczyna się późno w historii, bliżej końca lub punkt kulminacyjny.
• Obejmuje krótką przestrzeń.
• Zawiera kilka solidnych i rozszerzonych scen.
• Występuje w ograniczonym mieście, pokoju lub domu.
• Liczba znaków jest poważnie ograniczona.
• Niewiele wtórnych działek jest podniesionych.
• Linia działania przebiega w łańcuchu przyczyny i skutku. Postacie i wydarzenia są ściśle powiązane z logiczną sekwencją rozwoju, prawie nieuniknione.

Fabuła Objawienia

• Fabuła rozpoczyna się stosunkowo wcześnie w historii i przechodzi przez serię czynów.
• Obejmuje długie okresy czasu.
• Wiele krótkich i rozdrobnionych scen lub naprzemienne między krótkimi i długimi scenami.
• Może obejmować całe miasto, a nawet w kilku krajach.
• Obfitość postaci.
• Często oznaczone kilkoma wątkami akcji, kilka równoległych opowieści.
• Sceny są ze sobą powiązane. Zdarzenie może wynikać z kilku przyczyn lub bez wyraźnej przyczyny, ale powstaje w sieci okoliczności.

2- Temat

Źródło: Martinbayo [CC BY-SA 4.0 (https: // creativeCommons.Org/licencje/nabrzeże/4.0)] przez Wikimedia Commons)

Podczas gdy fabuła odnosi się do działania pracy, problem odnosi się do znaczenia pracy. Czasami jest to wyraźnie wskazane w tytule.

Innym razem można go zadeklarować poprzez dialog przez postać, która działa jako głos dramaturga. Czasami problem jest mniej oczywisty i powstaje dopiero po przeanalizowaniu treści pracy.

3- Postacie

Są to ludzie, zwierzęta lub pomysły, które są reprezentowane przez aktorów w pracy. Pod względem strukturalnym postacie są agentami akcji, które zapewniają motywacje do wydarzeń w fabule.

Każda postać musi mieć własną osobowość, wiek, wygląd, wierzenia, historię społeczno -ekonomiczną i język. Zgodnie z ich funkcjami w pracy można przejrzeć niektóre typy znaków:

• Protagonista: Główna postać.
• Antagonistyczny: Największy przeciwnik bohatera.
• Odpowiedniki: Ujawniają niektóre aspekty głównego bohatera o podobnych lub różnych okolicznościach lub zachowaniach.

4- scenariusz lub tekst

To jest punkt początkowy reprezentacji teatralnej. Jest to tekst, w którym gra jest tworzona. Składa się z dialogu, instrukcji malowniczych, opisów bohaterów i tym podobnych w pracy. Odnosi się do słów napisanych przez dramaturga i interpretowane przez bohaterów.

Może ci służyć: manifestacje artystyczne: jakie są, cechy i typy

5- Płeć

Charakterystyczna klasa pracy. Płeć pochodzi od francuskiego słowa, które oznacza „kategorię” lub „facet”. Wybór płci odzwierciedla punkt widzenia pisarza wobec tematu.

Następujące rodzaje prac są zwykle reprezentowane w teatrze: tragedia, komedia, melodramat i tragikomedia. Każdy z tych gatunków może być podzielony bardziej na styl i zawarty w:

Tragedia

Jest to naśladowanie działania, które jest poważne, złożone i istotne. Tragedia jest z natury poważna z natury i dotyczy głębokich problemów. Te głębokie problemy są uniwersalne i obudzone współczucie i strach na publiczność, gdy świadczą o akcji.

Komedia

Ma wizję rozśmieszania publiczności, jest zwykle fizyczny i energiczny. Zachowanie przedstawionych postaci jest śmieszne, a czasem absurdalne. Stymuluje korektę zachowań społecznych w publiczności.

Melodramat

Jest to dramat katastrofy, okoliczności poza kontrolą bohatera powodują znaczące fakty z fabuły. Aspekty winy i odpowiedzialność bohatera są wyeliminowane.

Bohater jest ofiarą okoliczności. Melodramat ma ścisłe poczucie moralnego osądu. Wszystkie przedstawione problemy są rozwiązywane w dobrze zdefiniowany sposób. Dobre postacie są nagradzane, a złe postacie są karane.

Tragikomedia

Jest odzwierciedleniem samego życia, zawiera wszystkie poprzednie gatunki. Nie zamierza osądzać ani wydawać absolutnych wyroków. Koncentruje się na relacjach postaci i pokazuje społeczeństwo w stanie ciągłego przepływu.

6- Kostiumy i makijaż

Są to elementy, które służą scharakteryzowaniu aktorów podczas odtwarzania postaci.

Szatnia

Odnosi się do ubrań i akcesoriów używanych na scenie przez aktora lub tłumacza. Starożytni Grecy byli pionierami do rozwinięcia konkretnych kostiumów dla każdej postaci, sztuka ta służyła do ożywienia średniowiecza.

Makijaż

Jest to użycie kosmetyków w zmianie fizycznego wyglądu aktora, aby jego wygląd dostosowuje się do określonego papieru lub zrekompensować skutki malowniczego oświetlenia.

Sztuka makijażu została zrewolucjonizowana przez wprowadzenie oświetlenia elektrycznego i gazowego i teraz stała się wysoce techniczną praktyką.

7- Efekty oświetlenia i dźwiękowe

Umieszczenie, intensywność i kolor świateł, a także efekty dźwiękowe pomagają reżyserowi komunikować środowisko, nastrój lub uczucie w scenie.

Oświetlenie zostało uznane za ważną cechę produkcji teatralnej, gdy podczas odrodzenia po raz pierwszy podano działania wnętrza, obejmujące stosowanie łatwopalnych świec i płynów.

Kluczowe innowacje technologii w oświetleniu obejmowały wprowadzenie lamp stóp, zastosowanie odbłyśników do zwiększenia intensywności wiązek światła i ciemnienie świateł w audytorium w 1.876.

Rozwój oświetlenia gazu na początku XIX wieku stanowi ważny postęp, pomimo zagrożeń. Zastosowanie oświetlenia elektrycznego rozpoczęło się w California Theatre w San Francisco w 1.879.

Obecnie systemy oświetleniowe w nowoczesnych teatrach są kontrolowane przez wysoce wyrafinowane skomputeryzowane płyty, które mogą koordynować oświetlenie całego systemu. Inne ostatnie innowacje obejmowały eksperymenty z światłem ultrafioletowym, laserami i holograficzami.

Efekty dźwiękowe to dźwięki generowane w celu towarzyszenia sceny w sztuce, którą mogą być wytwarzane przez komputery lub aktorzy na scenie.

8- Dyrektor

Jest osobą odpowiedzialną za całkowitą jednostkę produkcji i koordynowanie wysiłków artystów. Prace reżysera mają kluczowe znaczenie dla produkcji sztuki, ponieważ to dyrektor ustanawia wizję produkcji dla wszystkich zaangażowanych.

Może ci służyć: 10 najbardziej wpływowych przedstawicieli surrealizmu

Dyrektor ma trudne zadanie zebrania wielu złożonych utworów produkcji: scenariusz, aktorów, kostiumów, oświetlenia, dźwięku i muzyki w zunifikowanej całości. Aby wykonać to zadanie, dyrektor potrzebuje:

• Interpretuj skrypt.
• Współpracuj z projektantami.
• Zaplanuj próby.
• Prowadzić aktorów w ich pracy podczas esejów.

Praca dyrektora jest często oparta na szczegółowym badaniu i analizie obiektu skryptu Zgromadzenia. Wiele starannych odczytów scenariusza pomaga reżyserowi rozwinąć indywidualną wizję intencji dramaturga. Twoje postrzeganie wpłynie na każdy aspekt produkcji.

Dyrektorzy badają również postacie ze scenariusza, zbierając jak najwięcej informacji na temat ich cech fizycznych i psychologicznych, coś niezbędnego do wyboru castingu.

9- Słuch

Źródło: Prosperoproductions [CC BY-SA 3.0 (https: // creativeCommons.Org/licencje/by-sa/3.0)] przez Wikimedia Commons)

Grupa ludzi, którzy widzą pracę. Wielu dramaturgów i aktorów uważa, że ​​społeczeństwo jest najważniejszym elementem teatru, ponieważ wszystkie wysiłki w pisaniu i tworzeniu sztuki są dla przyjemności publiczności.

Ponieważ w teatrze tłumacze są w bezpośrednim obecności wraz z społeczeństwem, generowany jest okrągły przepływ energii, aktor wpływa na publiczność i odwrotnie. Ten efekt jest wzmocniony przez fakt, że teatr jest wydarzeniem wspólnym.

Doświadczenie grupowe jest niezbędne, ponieważ grupa wzmacnia emocje doświadczane przez jednostkę i tworzy zbiorową świadomość. Kiedy grupa osób reaguje w podobny sposób, co dzieje się na scenie, ich związek z innymi jest potwierdzony i wzmocniony.

Stopień rozdzielenia obsady od publiczności jest tym, co odróżnia teatr konwencjonalny od teatru partycypacyjnego.

Po pierwsze, społeczeństwo wykorzystuje swoją wyobraźnię, aby uczestniczyć w pracy, oddzielając się od akcji. W drugim, aktorzy wchodzą w interakcje z publicznością, próbując podążać za ustalonym i improwizowanym scenariuszem, podkreślając rozwój osobisty lub terapię zbiorową.

W teatrze publiczność jest proszona o przyjęcie wielu rodzajów wyimaginowanych światów. Sposobem na odróżnienie tych wyimaginowanych królestw jest podzielenie ich na tak zwane realistyczne i nie realistyczne teatr.

Realizm stał się dominującym sposobem teatru europejskiego pod koniec XIX wieku, próbuje odtworzyć życie tak blisko, że publiczność zakłada, że ​​to musi być życie. Z drugiej strony, nieifalizm próbuje przekroczyć obserwowaną rzeczywistość i przedstawić część życia, która istnieje w umyśle.

Jednak błędem jest założenie, że te dwa podejścia wykluczają się wzajemnie. Większość występów teatralnych zawiera mieszankę elementów realistycznych i nierealistycznych.

10-Sceografia

Służy do odtworzenia środowiska, w którym rozwija się fabuła, scenariusz ma następujące cele:

• Ustalić ton i styl produkcji.
• Ustanowić czas i miejsce.
• Rozróżnij realizm nierealizmu.
• Koordynować krajobraz z innymi elementami.
• Radzić sobie z ograniczeniami przestrzeni scenicznej i obszaru poza.

Wszystkie te cele są rozwiązane na wielu spotkaniach między reżyserem, scenografem a zespołem projektowym. Następnie pomysły są wcielone w szkice, które po recenzjach, analiza i modyfikacje pozwalają opracować scenę, która najlepiej pasuje do historii i wizji kreacji.

Po zakończeniu tego etapu projekty są dostarczane do dyrektora technicznego, który wykonuje konstrukcje, korekty i udogodnienia niezbędne na scenie do materializacji planowanych.

11- Scenariusz

Są to sprzęt teatralny, taki jak zasłony, podłogi, fundusze lub platformy, które są używane w dramatycznej produkcji.

12- Przydatne

Źródło: Martinbayo [CC BY-SA 4.0 (https: // creativeCommons.Org/licencje/nabrzeże/4.0)] przez Wikimedia Commons)

Istnieją różne kategorie proporcji. Duża część ręki napotyka skrypt i jest elementami wymaganymi przez dyrektora. Set Projektant zwykle również prosi jako całość, takich jak meble, które pojawiają się na scenie, czasami istnieje cienka linia dzieląca między tego typu proporcji.

Może ci służyć: Gothic witrains okna: pochodzenie, cechy, przykłady

Rekwizyty to każdy artykuł mobilny, który pojawia się podczas akcji, z wyjątkiem kostiumów i sceny. Są to artykuły manipulowane przez jednego lub więcej aktorów. Książka, broń, lampka wina, między innymi.

13- Działania

Źródło: Martinbayo [CC BY-SA 4.0 (https: // creativeCommons.Org/licencje/nabrzeże/4.0)] przez Wikimedia Commons)

Reprezentują ważny podział w rozwoju teatru. Większość sztuk z epoki elżbietańskiej aż do XIX wieku została podzielona na pięć aktów przez dramaturgów lub późniejszych redaktorów.

Pod koniec XIX wieku wielu pisarzy zaczęło pisać dzieła czterech aktów. Dziś jeden, dwa i trzy akty to najczęstsze gry.

14-teatry (budynek)

Jest to przestrzeń, w której wiążą się aktorzy lub publiczność. Konieczne jest posiadanie obszaru, w którym artysta, wykonawca lub wykonawca komunikuje się z żywą publicznością.

Budynki teatralne ewoluowały z zewnętrznych amfumerów Greków i Rzymian, do niesamowitej różnorodności form, które widzimy dzisiaj. To przestrzeń, która wspiera emocjonalną wymianę między obsadą a publicznością.

15- Konwencja

Źródło: Alain Chaviano [CC BY-SA 4.0 (https: // creativeCommons.Org/licencje/nabrzeże/4.0)] przez Wikimedia Commons)

Konwencja teatralna to praktyczne narzędzie używane przez dramaturg lub reżyser, aby pomóc w opowiedzeniu historii sztuki w teatrze. Najczęstszą konwencją teatralną jest to, że bohaterowie rozmawiają ze sobą i udają, że nie zauważają publiczności.

Często nazywa się to czwartą lub czwartą konwencją ekranu, istnienie (niewidzialnego) podziału między aktorami a publicznością jest symulowane.

Pochodzenie i historyczna ewolucja teatru

Kiedy teatr zaczął dokładnie, to tajemnica. Prehistoryczni łowcy reprezentowali historie o swoich wyprawach myśliwskich. Starożytni Egipcjanie wykonywali święte pieśni i tańczyli dla swoich bogów podczas ceremonii religijnych. Ale pomysł teatru jako dramatycznej rozrywki pojawił się później.

Wiadomo, że angielskie słowa na tragedię i komedię pochodzą z języka starożytnych Greków. Chociaż Grecy nie byli pierwszymi, którzy interpretaowali sztuki, byli bardzo zainteresowani początkami tragedii i komedii.

W swoich pismach filozof Arystoteles i inni greccy pisarze zaproponowali teorie i stworzyli hipotezy na temat rozwoju formy sztuki teatru.

Greckie prace były wykonywane w teatrach zewnętrznych. Początkowo teatry znajdowały się na otwartych obszarach położonych w centrum miasta lub obok stoków. Publiczność miała słuchać i zobaczyć chór śpiewający o przygodach Boga lub bohatera.

Pod koniec szóstego wieku. C., Struktury teatralne stały się bardziej skomplikowane. W miarę wzrostu teatru.000 osób jednocześnie.

Teatr istniał, odkąd ludzie zgromadzili się po raz pierwszy, aby wysłuchać kogoś innego, aby opowiedzieć historię. Przyjaciele i rodzina podzielili obowiązki publiczności i tłumacza, wymieniając role, o ile ktoś miał historię do podzielenia się.

Modern Theatre może być bardziej formalny, a aktorzy przeszkoleni do odtwarzania historii i wyrafinowanych widzów, którzy reagują na inscenizację, ale pomysł dzielenia się energią między obsadą a publicznością na żywo pozostaje niezmienny.

Bibliografia

1. Cameron, k. i Gillespie p. (1999). Przyjemność z teatru, 5. edycja. Boston: Allyn i boczek.
2. Columbus State University: Warunki do uznania teatru Deb Moore. Odzyskany z: teatr.ColumbusState.Edu.
3. Di Benedetto, s. (2012). Wprowadzenie do projektu teatralnego. Oxon, routledge.
4. Northern Virginia Community College: Wprowadzenie do teatru przez Dr. Eric w. Trumbull. Odzyskany z: Novaonline.NVCC.Edu.
5. Wilson, e. (2010). Doświadczenie teatralne. Nowy Jork, McGraw-Hill.
6. Wolf, l. (2012). Wprowadzenie do teatru: bezpośrednie podejście.Bloomington, Xlibris Corporation.