Sztuka zbiorowa

Sztuka uliczna wykonana przez kilku artystów, uważana za sztukę zbiorową

Sztuka zbiorowa odnosi się do związku grupy artystów, od dwóch do wielu innych. Związek ten jest przeprowadzany z zamiarem współpracy między samymi artystami w celu wygenerowania jednego lub więcej dzieł artystycznych.

Ogólnie rzecz biorąc, artyści, którzy spotykają się, aby stworzyć dzieło sztuki zbiorowej, często dzielą się myślami lub pomysłami politycznymi, społecznymi lub kulturowymi, a ich prace wyrażają wielką treść tych ideałów.

Z drugiej strony, w większości przypadków grupy artystyczne zwykle nie działają motywowane przez cel ekonomiczny, ale większość z ich dzieł jest niezrównana.

Charakterystyka sztuki zbiorowej

Niektóre z najważniejszych cech sztuki zbiorowej są następujące:

Kompatybilność ideologii

Ludzie, którzy dołączają lub tworzą grupy artystyczne, zwykle dołączają do tej samej ideologii lub sposobu myślenia. Mogą to być między innymi ideologie polityczne, społeczne lub ekonomiczne.

Jednolitość techniki

Większość prac przeprowadzanych przez grupy artystyczne ma szczególność na jednolitość techniczną, więc żadna szczególna cecha artysty nie jest wyróżniona, ale wydaje się, że są one wykonane tylko przez osobę.

Dyscypliny

Praca wykonana przez grupę artystyczną może być wykonana przez jedną dyscyplinę lub przez kilka jednocześnie.

Dlatego zbiorowe dzieło sztuki można wyrażać poprzez instalację artystyczną lub może być również eksponowane przez rzeźbę, muzykę lub taniec, między innymi przy użyciu jednej dyscypliny lub mieszanie kilku.

Non zysk

Większość ludzi, którzy dołączają do grup artystycznych, nie robi tego ze względów ekonomicznych, ale wyrażać swoje pomysły w połączeniu z innymi artystami, którzy myślą w ten sam sposób.

Ważność

Większość grup artystycznych zwykle nie trwa z czasem, ogólnie artyści, którzy uczestniczą w dziele sztuki zbiorowej, zwykle obejmują tylko pracę, a po zakończeniu są odłączone.

Techniki sztuki zbiorowej

Techniki stosowane do wykonywania dzieła sztuki zbiorowej to kilka.

Ponadto każda z tych technik może składać się tylko z określonego języka artystycznego, takiego jak muzyka lub malarstwo, lub łącząc dwa lub więcej różnych języków artystycznych w tej samej pracy. W ten sposób różnych artystów można połączyć z umiejętnościami w różnych językach artystycznych i połączyć je, aby stworzyć jedną pracę.

Może ci służyć: Quito School

Następnie niektóre techniki najczęściej stosowane w sztuce zbiorowej:

Instalacja artystyczna

Instalacja artystyczna to technika, w której do stworzenia pracy używana jest określona przestrzeń. Ta przestrzeń może być salonem, ścianami, podłogą, a nawet miejscem na zewnątrz.

W tego rodzaju technice czasami widz jest częścią pracy, będąc w stanie wchodzić w interakcje z tym samym.

Na początek, w latach sześćdziesiątych, tego rodzaju prace były tymczasowe, to znaczy, że przedstawili się w określonym miejscu przez wstępnie ustaloną ilość czasu, a następnie zdemontowane. Jednak dziś niektóre z tych artystycznych obiektów są trwałe.

Malarstwo ścienne

Artyści przygotowujący ścianę do tworzenia farby ściennej

Malarstwo muralowe jest jedną z najczęściej stosowanych technik, zarówno dla sztuki zbiorowej, jak i przez artystów solo. Zasadniczo jest to farba wykonana na ścianie, albo budynku, domu lub innego miejsca.

Malarstwo muralu są używane przez artystów grupy artystycznej, w większości przypadków do odzwierciedlenia pewnego rodzaju myśli lub uczuć na konkretny temat społeczeństwa. Ponadto zwykle reprezentują tragiczne epizody, które miały miejsce w społeczności.

Odbywa się to między innymi jako sposób instalacji w społeczeństwie jakiś konkretny temat, który można na to odzwierciedlać.

Wydajność

Wydajność na plaży, Goa, Indie. Źródło: © Vyacheslav Argenberg/http: // www.VASCOPLANET.com/, cc przez 4.0, Via Wikimedia Commons

Jest to dyscyplina artystyczna, w której artysta lub artyści próbują wygenerować reakcję w widzu. Te interwencje można podawać w muzeach, galeriach sztuki, a nawet na ulicy, i są ogólnie tymczasowe i spontaniczne prezentacje.

Korzystając z wydajności lub akcji artystycznej, grupa artystyczna może ujawnić swoje myśli społeczeństwu, czyniąc krytykę społeczną, która sprawia, że ​​widz myśli.

Sztuka zbiorowa w Meksyku

Sztuka zbiorowa w Meksyku ma swoje początki w ostatnich latach lat 60. i na początku 70 ', w bardzo wzburzonym kontekście społecznym i politycznym.

Może ci służyć: słynnymi kreskówkami ekwadorii

Rok 1977 był jednym z najważniejszych na początku meksykańskiej sztuki zbiorowej, od czasu jej udziału w X Bienal Young of Paris, z pracą z silną treścią polityczną, bardzo zwróciła uwagę społeczeństwa.

Od tego momentu rosła sztuka zbiorowa w Meksyku i dodawała nowych artystów, którzy rozwijali nowy język poprzez eksperymenty z różnymi materiałami i wsparciem artystycznym.

Jednym z punktów Unii wszystkich zbiorowych grup sztuki był fakt bycia krytycznym, zarówno w systemie politycznym, społecznym lub artystycznym.

Ta zbiorowa tradycja sztuki jest nadal używana do dziś w Meksyku, a artyści, którzy dołączają do stworzenia konkretnej pracy, a następnie oddzielają się lub z grupami artystycznymi, które pracują razem od dłuższego czasu.

Przykłady zbiorowych dzieł sztuki i jej artystów

Oto kilka przykładów zbiorowych dzieł sztuki i ich artystów.

Patrzeć

Look była grupą artystów, którzy stworzyli kilka dzieł sztuki zbiorowej w latach 70. w Meksyku. Grupa składała się z Melecio Galván, Rebeca Hidalgo, Arnulfo Aquino i Jorge Perezvega.

Ta grupa przeprowadziła zdejmowane prace graficzne, które nazywali „komunikacją graficzną”, i która zainstalowała je w popularnych szkołach, związkach i dzielnicach.

W jego dziełach omawiane kwestie były między innymi społecznie, takie jak represje, władza, ubóstwo i przemoc.

Kobra

Pytające dzieci, 1949. Źródło: WMPARL, CC0, Via Wikimedia Commons

Ruch Cobra został utworzony we Francji pod koniec II wojny światowej i był ważny w latach 1948–1951. Jego nazwisko odnosi się do trzech miast jego najważniejszych członków założycieli, Kopenhagi, Brukseli i Amsterdamu.

Jego założyciele, Asger Jorn, Karel Appel i Pierre Corneille, wraz z innymi artystami, takimi jak Christian Dotremont, stworzyli grupę jako sprzeciw wobec sztuki zachodniej, która była w tym czasie Światowym Centrum Sztuki.

Ten artystyczny kolektyw zastanawiał się nad stylem prymitywnej sztuki, takiej jak ta, którą robią dzieci, a ponadto przetwarzają surrealizm.

Może ci służyć: 30 najwybitniejszych artystów odbijających

Partyzanckie dziewczyny

Partyzanckie dziewczyny. Źródło: Eric Huybrets, CC BY-SA 2.0, Via Wikimedia Commons

Ta anonimowa grupa pod przewodnictwem artystów feministycznych została założona w 1985 roku i dała zaszczyt swojej nazwy za używanie strategii artystycznych partyzanckich do napędzania ruchu sztuki kobiet.

Grupa zwykle używa masek gorylowych, skarpet sieci.

Wyrażają, że żadna osoba nawet ich rodziny ani pary nie zna swojej tożsamości, odmawiając wyznania całkowitej liczby kobiet, które integrują swój zespół; Uważa się, że składa się z około 20 lub 30 artystów. Jego propozycje oparte są na działaniach, plakatach i ogrodzeniach reklamowych.

Gelitin

Gelitin w 2014 roku. Źródło: ValeJ Lednev z Moskwy, Rosja, CC BY-SA 2.0, Via Wikimedia Commons

Ta grupa składa się z 4 austriackich artystów, którzy spotkali się w 1978 roku i zaczęli być zauważane dzięki ciężkiej pracy na początku lat 90.

Do 2005 r. Zachowały nazwę żelatyny (żelatyna), a następnie zmieniają się na gelitinę. Jego propozycja opiera się na działkach o dużej skali, obiektach i interwencjach przestrzeni, które różnią się od siebie w skali i ambicji. Charakteryzują się, że są wywrotowe i zwykle angażują społeczeństwo w ich działania.

Próbka jego pracy to praca Zap z Pipi (2005), w którym stworzyli gigantyczny Caramban z mrożonymi próbkami moczu moskiewskich gości.

Jednym z najbardziej znanych dzieł Gelitin jest Hase, 55 -metrowy różowy królik zainstalowany na wzgórzu w Toskanii we Włoszech, który pozostanie na miejscu do 2025 r.

Archigram

Była to awangardowa grupa architektury założona w latach 60., która koncentrowała.

Grupa badała kapsułki kosmiczne, obrazy masowego konsumpcji, przetrwanie, oferując uwodzicielską perspektywę przyszłości maszyn, w których problemy społeczne i środowiskowe zostały pominięte przekształcanie rzeczywistości we własny język.

Jego prace były inspiracją dla innych artystów i projektów technologicznych. Jednym z jego najbardziej znanych dzieł jest Walking City (1964), który składał się z gigantycznych elementów żywych, które przypominały mieszankę między maszynami i owadami, które mogłyby podróżować przez miasta, za całym podkładem sytuacyjnym.