Kubizm

Co to jest kubizm?

On kubizm Jest to manifestacja artystyczna, która urodziła się we Francji w 1907 roku. Ten ruch charakteryzował się zastosowaniem nowych technik obrazowych, które pokazały inne poglądy rzeczywistości. Wyróżniał się także użyciem liczb geometrycznych, takich jak okrąg, cylinder i sześcian. Celem tej nowej techniki była zmiana elementów stosowanych w tradycyjnej sztuce.

Kubistyczni malarze odmówili tworzenia dzieł, w których liczby zostały całkowicie zdefiniowane. Dlatego obrazy wykonane przez kubistów - czasami - są trudne do zrozumienia. Przykładem jest obraz Pablo Picassa zatytułowany Dziewczyna z mandolinem (1910), który ma strukturę układanki, która nie została jeszcze uzbrojona.

Dziewczyna z Mandoliną z Picasso

Interesującą rzeczą w tej pracy jest to, że niektóre części ciała kobiety są w profilu, podczas gdy inne są z przodu. Jak to zrozumieć? Chodzi o to, aby obserwować każdy kawałek osobno, a następnie zorganizowanie go jako całości.

Twierdzi się, że ruch kubistyczny był oparty na ćwiczeniu psychicznym, ponieważ malarze nie przedstawiali przedmiotów, jakie były lub tak, jak wyglądali, ale jak sobie wyobrażali. Dlatego kubizm był manifestacją, która ceniła rozwój współczesnych pomysłów.

Termin kubizm Został stworzony na początku XX wieku przez Louisa Vauxcellesa, by wymienić te obrazy, które uważał za gorsze, ponieważ powiedział, że artyści, którzy należeli do tego ruchu, czerpali tylko zdeformowane kostki.

Jednak ta artystyczna manifestacja była niezbędna dla futurizmu, surrealizmu i innych abstrakcyjnych technik do powstania.

Inicjatorzy kubizmu

Kubizm narodził się z celem, że malarze nie naśladowali natury podczas tworzenia swoich dzieł. Dla tego ruchu artystycznego, wpływ rzeźby afrykańskiej, rozwoju technologicznego i myśli naukowej jest ważny.

Na przykład: dzięki rzeźbie afrykańskiej malarze zauważyli, że koncepcja artystycznego piękna można zmodyfikować: prace nie musiały być idealne, aby przekazać wiadomość.

Z drugiej strony rozwój technologiczny - zwłaszcza wynalazek aparatu - sprawił, że artyści zrozumieli, że świat się zmienia, ponieważ zdjęcia zastąpiły portrety.

Myślenie naukowe - w szczególności to, co Albert Einstein - było fundamentalne dla autorów, aby zrozumieć, że ludzie postrzegali kolory, ruchy i kształty na różne sposoby.

Po tych aspektach Pablo Picasso i George Braque postanowili zaprojektować niektóre prace, które będą pasować do nowej rzeczywistości.

Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)

Pablo Picasso w młodości

Jest jednym z najbardziej znanych malarzy na świecie. Urodził się w Maladze, mieście położonym w Hiszpanii. Przeprowadził się do Madrytu, aby studiować w Royal Academy of Fine Arts of San Fernando; Ale w 1900 roku przeprowadził się do Paryża, gdzie kontynuował studia.

Początkowo jego dzieła artystyczne były klasyczne, ale w 1906 roku zaczął rozwinąć swój obraz Panie Awinion, co - według opinii krytyków - założony Kubizm. Obraz ten został wystawiony w 1907 roku i składa się z 5 nagich kobiet: 4 stoi, a 1 siedzi.

The Ladies of Avignon, autor: Pablo Picasso. Jego twarze są inspirowane afrykańskimi maskami

Najwyraźniej 3 kobiety mają zniekształconą twarz; Ale kiedy są szczegółowo obserwowane, postrzegają, że noszą afrykańskie maski. Ta praca wyróżnia się na pierwszy rzut oka płaska; Jednak linie kątowe nadają mu głębokość.

Kubistyczne dzieła Picassa charakteryzują się wyróżnieniem neutralnych kolorów, czarnych, białych, białych i brązowych; Ale użył też ciemnoniebieskiego i czerwonego.

Jego celem było reprezentowanie w inny sposób niż istoty lub elementy, które uważali, że były one szeroko stosowane w tradycyjnej sztuce, więc skupił się na malowaniu kobiet i życia.

Georges Braque (1882-1963)

Georges Braque

Ten artysta był jednym z głównych obserwujących Pablo Picasso, nawet dołączył do niego, aby opracować kubistyczne malowanie. Urodził się w Le Havre, mieście we Francji. Jego życie artystyczne rozpoczęło się w warsztacie ojca, gdzie związał się z podstawowymi kolorami i związkami. W 1889 roku przeprowadził się do Paryża, aby studiować w Humbert Academy i w School of Fine Arts.

Może ci służyć: zamówienie doryckie

W przeciwieństwie do Picassa, Braque Cubist Obrazy charakteryzują. Jego celem było nadanie głębi prac za pomocą koloru, więc kontrastował jasne tony z neutralami. Ich dzieła są trudne do interpretacji, ponieważ linie nie są precyzyjne lub niektóre nad innymi.

Georges Braque Polek

Obserwowanie bralu farby jest jak oglądanie billboardu szkolnego, w którym złożono liczne papiery bez żadnego zamówienia. Dla tego malarza ważne było, aby widz organizował dzieła kubistyczne poprzez wyobraźnię.

Przez całą swoją karierę namalował uschnięte krajobrazy, instrumenty muzyczne i proste przedmioty, takie jak rury, okulary, butelki i drzewa owocowe. Kolejnym podstawowym aspektem jego obrazów było to, że włączył listy; to znaczy niektóre z jego dzieł pokazują wiadomość pisemną.

Charakterystyka Kubizmu

Doświadczyli z postaciami i przedmiotami

Kubiści badali otwarte kształty, wiercenie figur i obiektów, pozwalając przepływowi przestrzeni, mieszając tło na pierwszym planie i pokazując obiekty z kilku stron.

Niektórzy historycy argumentowali, że te innowacje stanowią odpowiedź na zmieniające się doświadczenie przestrzeni, ruchu i czasu we współczesnym świecie. Ta pierwsza faza ruchu nazywała się Kubizm analityczny.

Porzucenie perspektywy i realizmu

Artyści porzucili perspektywę, która została wykorzystana do reprezentowania przestrzeni z renesansu, a także odejdzie od realistycznego modelowania liczb.

Natura z wyobraźni

Kubiści starali się malować naturę, jak sobie wyobrażali, a nie jak ją widzieli codziennie. Dlatego docenia się, że każdy artysta inaczej przedstawiał krajobraz.

Jednak wszyscy myśleli, że świat został utworzony przez postacie geometryczne, stąd używali cylindrów, kostek, kręgów i trójkątów do tworzenia ich rysunków.

Wyszukaj różne widoki

Malarze chcieli, aby ich dzieła miały kilka punktów widzenia. Dlatego obserwuje się, że postacie lub obiekty niektórych obrazów znajdują się w różnych pozycjach.

Na przykład byli w stanie namalować mężczyznę na plecach z twarzą z przodu, a jego usta i oczy były profilem. Aby stworzyć ten efekt, wykonali swoje obrazy tak, jakby były kolaż.

Malarstwo Juan Gris, które wykorzystuje technikę kolażu

Treść jest przekazywana treści

Przywiązali większą wagę do treści pracy. To znaczy dla kubistycznych artystów ważną rzeczą nie było to, co narysowali, ale to, co przeniesiono obraz.

Codzienne sceny

Nie martwili się przedstawieniem problemów, które uznano za ważne, takie jak religijne i polityczne, ale skupili się na malowaniu scen na co dzień lub wazon z kwiatami. Koniec polegał na tym, że widzowie byli emocjonalnie powiązani z obrazami, które widzieli.

Techniki kubistyczne

Efekt światła

Kubiści nie martwili się o użycie wyraźnej techniki, która była szeroko stosowana przez autorów renesansowych, aby podkreślić element lub charakter swoich dzieł. To, co używali kubistyczni malarze, to efekt światła, który stworzyli, gdy połączyli brązowe i żółte kolory.

Figura i mało kolorowe tło

Początkowo w kubistycznych obrazach trzeci wymiar został wyeliminowany. Oznacza to, że artyści nie skupili się na tworzeniu głębokości, więc obrazy były jedną płaszczyzną; Podsumowując, reprezentowano tylko figurę i trochę kolorowe tło.

Jednak z czasem autorzy zaczęli używać zakrzywionych linii i złożonych kolorów (to znaczy tych, które powstają z podstawowych kolorów), co dało mu grubość obrazów.

Etapy kubizmu

Kubizm miał na celu złamanie dzieł artystycznych, które wcześniej zostały przeprowadzone, zwłaszcza tych, które autorzy ruchu neoklasycznego, którego obrazy wyróżniały się, ponieważ była to kopia natury i jej piękna.

Może ci służyć: słynne tatuory

W ten sposób Pablo Picasso, zdeterminowany, aby nie przestrzegać artystycznej manifestacji, która była realistyczna, nie tylko koncentrowała się na studiach.

Cézanne nie zastosował techniki trzeciego wymiaru, a liczbami wyróżnionymi w ich pracach były sfery. Pod wpływem tych pomysłów reprezentacji Picasso rozwijał kubizm, który rozumiał trzy etapy:

Prymitywny kubizm (1907–1909)

Wielu autorów twierdzi, że ten prymitywny okres nie może być uwzględniony w etapach Kubizmu, ponieważ był to tylko moment eksperymentów. Jednak na tym etapie malarze zaczęli definiować cechy, które identyfikowałyby ich obrazy, w tym następujące:

• Postanowiono używać tylko czarno -białych kolorów. Jeśli chcesz użyć innych tonów, to szary i brązowe były ważne.
• Lepsze było malowanie przedmiotów i ludzi zamiast krajobrazów.
• Nie było konieczne, aby obrazy miały grubość lub głębokość.

Kubizm analityczny (1910–1912)

Nazywany także hermetycznym kubizmem, ponieważ bardzo trudno było zrozumieć wizerunek i porządek malowania.

Ten etap był ważny, ponieważ artyści skupili się na analizie faktów codziennego życia, aby je odtworzyć; Oznacza to, że zaobserwowali określoną scenę, wyobrażali to w fragmentaryczny sposób, a tym samym namalowali.

Dlatego obrazy, które zostały opracowane podczas analitycznego Kubizmu, przypominają zagadkę. Następnie wspomniane zostaną aspekty, które wyróżniały się przez ten okres:

• Artyści nie szukali, aby ich obrazy miały wyjątkowy sens.
• Zastosowanie zakrzywionych linii było coraz bardziej powszechne, element, który dał mu głębokość pracy.
• Żółte, zielone i niebieskie odcienie zaczęły ich kontrastować za pomocą neutralnych kolorów.
• Na obrazach krajobrazy zaczęły być uwzględnione.

Syntetyczny Kubizm (1913–1914)

Ten etap został również mianowany reintegracyjną kubizmem, ponieważ artyści mieli już większą swobodę tematyczną podczas malowania. Najważniejszym autorem tej demonstracji był George Braque, który wymyślił technikę kolaż lub łatka.

Aby nadać obrazom teksturę i zwiększyć wartość dekoracji, Braque poświęcił się do cięcia papieru i farbą uderzył je w pracy. To wydarzenie spowodowało, że kubistyczne portrety miały większy wpływ na widzów.

Od tego momentu artyści używali nie tylko oleju i akrylowych obrazów do wykonywania swoich obrazów, ale także materiałów, takich jak tkanina, piasek i szkło.

Przedstawiciele i ich prace

Kubizm był manifestacją, która trwała kilka lat; Jednak jego wpływ miał fundamentalne znaczenie dla narodzin nowych wyrażeń artystycznych. Z tego powodu twierdzi się, że ruch zainicjowany przez Picassa i Braque nie tylko zmienił historię sztuki, ale także pokazał, że istnieją różne techniki malowania.

Ale Braque i Picasso nie byli jedynymi przedstawicielami Kubizmu, Juan Gris i Fernand Léger również podkreślili:

José Victoriano González Pérez (1887-1927)

Bardziej znany jako Juan Gris, był malarzem urodzonym w Madrycie. W latach 1904–1906 studiował w School of Arts and Manufactures i prowadził kursy w warsztatach José Moreno Carbonero.

Przeprowadził się do Paryża w 1906 roku, ponieważ uciekł z hiszpańskiego wojska i rządu. W tym mieście dostał się w tym samym budynku, w którym mieszkali Picasso i Braque.

W 1910 roku wykonał swoje pierwsze kubistyczne obrazy, które nie zostały dobrze przyjęte, ponieważ miały głębokość. Od 1911 roku jego prace wyróżniały się kolorowymi i płaskimi. Dzięki temu malarzowi efekt kreskówki został uwzględniony w obrazach, a także sprawił, że portrety były szersze i dłuższe.

Przykładem jest jego praca Harlequin z gitarą (1919), gdzie wydłużona postać człowieka, który ma ciało przed. Obraz składa się z prostokątów, trójkątów i niektórych falistych linii, które dają poczucie ruchu: jakby postać grała na instrument muzyczny.

Może ci służyć: teatr zewnętrzny

Malatura

Juan Gris nie tylko poprawił styl kubistycznych obrazów, ale także stworzył własną technikę kolaż gdzie dołączył do papieru okresowego z kartonem. Wśród jego najważniejszych obrazów są:

- Portret Pablo Picasso (1912).

Portret Pablo Picasso, przedstawiony przez Juan Gris, 1912

- Board na skrzypcach i szachowych (1913).

- Bodegón z niewidomych (1914).

Bodegón z Persianą (1914) Juan Gris. Via Wikimedia Commons.

- Amadeo Modigliani (1915).

Amadeo Modigliani (1915)

Fernand Léger (1881–1955)

Fernand Léger

Urodził się w Argente w prowincji położonej we Francji. W 1900 roku przeprowadził się do Paryża, gdzie był asystentem architektury i studiował w Acade Away Julián. Podziwiał Paula Cézanne i od 1907 roku skupił się na studiowaniu swoich prac.

Jego pierwsze kubistyczne obrazy namalowały je w 1908 r.; Chociaż należy wspomnieć, że jego styl nie był tak rozwinięty jak Juan Gris. Mimo to wyróżniał się, używał podstawowych kolorów, których użył do podkreślenia cieni cylindrycznych postaci i nadania tekstury jego obrazom.

Inną ważną cechą dzieł Légera było to, że nie przedstawił ludzi, ale narysował roboty i maszyny, które zostały pochłonięte ludzkości. W ten sposób wygląda na twoim obrazie Nagi w lesie (1909), gdzie obserwuje się depozyt wypełniony metalowymi przedmiotami; Pozycje geometryczne, które wyróżniają się w pracy, to stożka i cylinder.

Na tym obrazie nie ma pustej przestrzeni; To tak, jakby malarz oznaczał, że człowiek był zastępowany technologią.

Malatura

Celem Fernanda Légera było namalowanie początku nowego świata, więc użył brązu i szarych tonów, ponieważ były to kolory maszyn. Niektóre z jego najważniejszych dzieł to:

- Przejście kolejowe (1919).

Fernand Léger Mural. Źródło :: Dennis Jarvis de Halifax, Kanada, CC BY-SA 2.0, Via Wikimedia Commons

- Kobieta z kotem (1921).

- Trzy kobiety (1921).

Świetna parada z czerwonym tłem, Fernand Léger. Źródło: Donaldytong, CC BY-SA 3.0, Via Wikimedia Commons

- La Gioconda z klawiszami (1930).

Prezentacja Fernand Léger zlokalizowana obecnie na Central University of Wenezuela

Louis Marcaussis (1878–1941)

Ludwik Kazimierz Wladyslaw Markus, który tak naprawdę nazywał się, urodził się w Polsce, ale wkrótce przeprowadził się do Paryża. Po przestudiowaniu prawa wykazał zainteresowanie malarstwem, wchodząc do Julian Academy. W 1905 r. Przedstawił po raz pierwszy, będąc początkiem dość znacznej kariery. 

Miał szczęście spotkać artystów takich jak Braque, Degas lub Pablo Picasso, co wpłynęło na eksperyment z kubizmem. W tym czasie prezentował w kilku wystawach prac z martwej martwej, krajobrazów wybrzeża Bretonu lub widoków Paryża.

Oprócz kubizmu rozwinął także techniki grawerowania, ilustracji lub impresjonizmu aż do jego śmierci w 1941 r.

Malatura

- Le Bar du Port (1913).

Le Bar du Port (1913)

- VIRLON, Marc et Cartes Bouteilles (1919).

VILLON, Bouteilles autorstwa Marc et Cartes (1919)

- Figury na plaży (1930).

- Muzyk (1914).

Muzyk (1914). Louis Marcoussis

Albert Gleizes (1881-1953)

Albert Glezuje

Parysino z urodzenia, ponieważ dzieciństwo było czeskim dzieckiem, które wolało spędzać popołudnia, pisząc poezję obok cmentarza zamiast bawić się lub chodzić do szkoły. Po etapie w armii zaczął jako uczeń malarza w warsztacie ojca, gdzie krajobrazy były jego pierwszymi dziełami.

Chociaż jego początkowy styl był impresjonistą, odnosząc się do artystów dzielnicy Montparnasse, zaczął interesować się Kubizmem, ruchem, z którym był bardziej powiązany podczas swojego życia artystycznego.

Dołączył do grupy Puteaux i zawsze był ściśle powiązany z innymi geniuszami, takimi jak Marcel Duchamp, Jean Metzinger lub Jacques Villon.

Malatura

- Kubistyczny krajobraz (1914).

Kubistyczny krajobraz, 1914

- Portret Jacquesa Nayrala (1911).

Portret Jacques Nayral, 1911

- Figura Cubiste (1921).

- Siedząc nago (1909).

Diego Rivera (1886–1957)

Diego Rivera

Chociaż był lepiej znany ze swoich malowideł ściennych, ten wybitny meksykański malarz miał również genialny kubistyczny etap. Powodem było to, że osiedlenie się w Paryżu w latach 1910. ruch ten złapał go w najsilniejszym momencie.

Chociaż istnieje wiele kubistycznych dzieł Rivery, uczeni uważają, że nie czuli się z nich szczególnie dumni i starali. Później kontynuował doświadczanie z innymi technikami awangardowymi, takimi jak post -impresjonizm.

Malatura

- Portret Ramón Gómez de la Serna (1915).

Portret Ramón Gómez de la Serna, 1915

- Kobieta Pozo (1913).

- Portret dwóch kobiet (1914).

Portret dwóch kobiet, 1914

- Macierzyństwo, Angelina i El Niño Diego(1916).

Macierzyństwo, Angelina i El Niño Diego, 1916