Sztuka dwukierunkowa

Pablo Picasso's Guernica (1937)

Co to jest sztuka dwukierunkowa?

On Sztuka dwukierunkowa Jest to taki, który ma tylko dwa wymiary (długie i szerokie) i jest reprezentowany przez obrazy, rysunki, zdjęcia lub telewizję i kino. Jego obrazy nie mają głębokości fizycznej; Dlatego nazywane są również płaskimi obrazami. Ponadto są reprezentowane lub rzutowane na płaskim nośniku lub powierzchni.

Sztuki tworzyw sztucznych są podzielone na dwie duże grupy: dwie -wymiar sztuki tworzyw sztucznych i trzy -wymiarowe sztuki. Jedną z najbardziej reprezentatywnych cech dwuwymiarowej sztuki jest płaska natura jej obrazów; Ale to nie oznacza, że ​​artysta nie reprezentuje głębokości w pracy z perspektywy.

Analiza tego typu ART odbywa się w badaniu pięciu podstawowych aspektów: przestrzeni pracy, rysunku i linii, równowagi i ruchu, tekstury, wykonania, koloru, światła i kontrastu.

Jeśli chodzi o różne techniki, w plastiku obrazy i dwa -wymiarowe rysunki są tworzone z różnymi pigmentami, takimi jak oleje, akryle, akwarele, temperatura, atrament, węgiel i ołówki. Dlatego dwa -wymiarowe dzieła sztuki różnią się ich cechami w zależności od zastosowanego środowiska fizycznego.

Pochodzenie sztuki dwuwymiarowej

Sztuka podawania jest tak stara jak sam człowiek, ponieważ jego pierwsze manifestacje - około 64 tysięcy lat - były przez malowanie skalne. Przez pomalowane rysunki na skałach w jaskiniach i rycin, jaskini reprezentował swój sposób życia i codzienne życie.

Jednak nowoczesne dwa -wymiarowe malowanie jest stosunkowo niedawne. Dopiero w średniowieczu, kiedy wprowadzono znaczne zmiany do składu i perspektywy. Przed XIV wieku było bardzo niewiele, a może nie ma udanej próby realistycznie reprezentowania trzech wymiarów świata.

Poprzednie sztuka -egipcio, fenicka, greccy - przynajmniej w dziedzinie plastik. Po pierwsze, ponieważ było to późniejsze odkrycie; Po drugie, ponieważ w sztuce tych okresów trzy -wymiarowalność była reprezentowana tylko przez rzeźbę.

Może ci służyć: architektura neoklasyczna

Ogólnie rzecz biorąc, artyści okresów bizantyjskich, średniowiecznych i gotyckich zaczęli odkrywać inne sposoby reprezentowania życia i rzeczywistości.

To był bardzo bogaty i piękny styl sztuki pod względem ekspresji i kolorów. Jednak obrazy, które reprezentowali, były całkowicie płaskie: brakowało im iluzji przestrzeni i głębokości.

Pochodzenie perspektywy w dwóch dziełach wymiarów

Sztuka musiała rozwiązać problem dwóch wymiarów natury mediów używanych do tego czasu w malarstwie. Z tego artyści zaczęli się martwić o reprezentowanie świata tego, jaki naprawdę jest; to znaczy trzy -wymiarowe.

W ten sposób odkryli, że system iluzji reprezentuje rzeczywistość taką, jaka jest. W ten sposób utworzono wrażenie przestrzeni, ruchu i głębokości. Pierwszymi nauczycielami próbowani byli Włosi Giotto (w latach 1267-1337) i Duccio (1255-1260 i 1318-1319).

Obaj zaczęli badać ideę objętości i głębokości w swoich pracach i byli pionierami we wczesnej technice perspektywy. Wykorzystali cień, aby stworzyć iluzję głębokości, ale wciąż nie byli daleka od osiągnięcia efektu perspektywy, którą znamy w sztuce.

Pierwszym artystą, który skorzystał z perspektywy liniowej w znanym dziele, był architekt Florentino Fillipo Brunelchhi (1377-1446). Praca została namalowana w 1415 r., A to reprezentuje baptysterię Florencji, pod kątem głównych drzwi niedokończonej katedry.

Technika perspektywy liniowej rzutowana w tej pracy iluzja głębokości w dwuwymiarowej płaszczyźnie za pomocą „punktów ucieczki”, w której wszystkie linie zbiegały się, na poziomie oczu, na horyzoncie.

Może ci służyć: 10 najbardziej wpływowych przedstawicieli surrealizmu

Z tego obrazu system perspektywy liniowej został natychmiast skopiowany i ulepszony przez innych włoskich artystów.

Charakterystyka sztuki dwuwymiarowej

- Jak wskazuje nazwa, ma tylko dwa wymiary: wysokie i szerokie. Nie ma głębi.

- Techniki dwuwymiarowej sztuki obowiązują tylko w płaskich mediach lub przestrzeniach. Na przykład zdjęcie, płótno lub drewniane pudełko, ściana, arkusz papieru lub na obrazie telewizji.

- Dwie -wymiarowe prace tworzyw sztucznych można docenić tylko z perspektywy czołowej. Oznacza to, że związek tego rodzaju prac z widzem ma unikalny charakter. W przeciwnym razie pracy nie można zobaczyć ani docenić; Dlatego jest to konieczne.

- W tego rodzaju pracach głośność nie jest prawdziwa, ale symulowana lub reprezentowana przez perspektywę, światło i cień obiektów. W ten sposób istnieje uczucie, że obiekty mają prawdziwy tom.

- Jest to najczęstsza forma reprezentacji graficznej, która istnieje.

Autorzy i reprezentatywne dzieła dwuwymiarowej sztuki

Są to niektórzy artyści, którzy w różnych momentach wprowadzili zmiany w reprezentowaniu dwóch wymiarów sztuki.

Masaccio (1401-1428)

Tryptyk of San Juvenal, Masaccio

Nazywał się Tommaso powiedział Giovanni di Mone Cassai. Był średniowiecznym florenckim malarzem, a jego praca była decydująca w historii malarstwa.

Uważany jest za pierwszego artysty, który złożył w swoich obrazach prawa perspektywy naukowej, które były wcześniej opracowane przez Brunelleschi. Jego dominacja nad zasadami perspektywy była całkowita.

Jego pierwszą najważniejszą pracą była San Juvenal Triptych, w którym można zobaczyć twoją domenę perspektywy, aby stworzyć efekt głębokości.

Może ci służyć: sztuka rocka: pochodzenie, cechy, przykłady

Alberto Durero (1471-1528)

Melancholy, Alberto Durero (1514)

Jest uważany za najbardziej znanego niemieckiego artysty w renesansie. Jego obszerne prace obejmują obrazy, rysunki, ryciny i kilka pism o sztuce.

Jednym z reprezentatywnych dzieł dwóch -wymiarowych sztuki Durero jest Melancholia, Grawerowanie na miedzianej płycie wykonanej przez artystę w 1514 roku.

Leonardo da Vinci (1452-1519)

Mona Lisa, Leonardo da Vinci (1503)

Jednym z najbardziej znanych dzieł tego artysty, malarza, naukowca, pisarza i rzeźbiarza Florentino w okresie renesansowym jest Gioconda albo Mona Lisa.

To zdjęcie jest portretem kobiety o enigmatycznym uśmiechu, który był przedmiotem wszelkiego rodzaju analiz i literatury.

Paul Cézanne (1839-1906)

The Sainte-Victoire Mountain (1905). Paul Cézanne

Pod koniec dziewiętnastego wieku ten francuski malarz zaczął kwestionować zasady i struktury obrazu, powodując, że jego dzieła stały się niemal abstrakcyjne.

Zastosowane techniki i media, pokrywające płótna grubymi warstwami farby nakładanej wielokrotnie szpatułką, a nie szczotką.

Jednocześnie uprościł naturalne formy przy użyciu niezbędnych elementów geometrycznych. Tutaj rozpoczął się koniec składu akademickiego zgodnie z zasadami perspektywy, która została ustanowiona do tego czasu.

Jednym z jego reprezentatywnych obrazów tego okresu całkowitego przeglądu jego pracy jest Góra Sainte-Victoire (1905).

Pablo Picasso (1881-1973)

The Ladies of Avignon (1907), Pablo Picasso

Hiszpański malarz i rzeźbiarz, uważany za ojca kubizmu i jedną z ikon plastiku XX wieku. W jego pracy Panie Awinion (1907) Picasso przedstawia grupę nagich kobiet; Złamuje również formę i nie bierze pod uwagę głębokości ani przestrzeni.

Ansel Adams

Tetons and the Snake River (1942)

Amerykański fotograf znany z fotografowania parków Yosemite i Yellowstone i bycia świetnym promotorem ochrony dzikiej przyrody.

Jego dwukierunkowa i rewolucyjna praca w dziedzinie fotograficznej można zobaczyć w pracy Tetons i Snake River (1942).